Publicación

En noviembre de 1970 el artista argentino David Lamelas editó por primera vez Publication, un librito sin ilustraciones con textos de Keith Arnatt, Robert Barry, Stanley Brouwn, Daniel Buren, Victor Burgin, Michel Claura, Gilbert & George, John Latham, Lucy R. Lippard, Martin Maloney, Barbara M. Reise, Lawrence Weiner. El libro recoge las reacciones de estos artistas y críticos de arte a tres afirmaciones formuladas por Lamelas en torno a una cuestión central del arte conceptual: la relación existente entre arte y lenguaje. La pieza, que se presentó por primera vez en la galería Nigel Greenwood Inc. Ltd. de Londres, podrá verse en la exposición individual de David Lamelas en el CGAC en 2021. Como novedad, la edición del CGAC incluye un dibujo a color de Marcel Broodthaers que no había sido reproducido en ninguna de las ediciones y reimpresións anteriores de la obra.

En 1952, André Malraux publicaba Le Musée imaginaire de la sculpture mondiale, un texto capital en que prefiguraba una nueva forma de concebir la historia del arte como disciplina abierta en la que la historia de los estilos se desdibuja en favor de un entendimiento cruzado, con el que se abre lugar a las conexiones indebidas, múltiples y basadas en los afectos y las subjetividades. El museo imaginario de Malraux se acercaba en espíritu a los procedentes del museo moderno, situándose cerca de los gabinetes de curiosidades, las cámaras de maravillas en las que los burgueses y nobles del renacimiento continuaban la tradición medieval coleccionando todo tipo de objetos extraños junto a obras de arte.
La exposición Wunderkammer de Suso Fandiño se inserta en esta tradición y, a la manera de una cámara de maravillas, dibuja una serie de recorridos y enlaces poco habituales diseñando un espacio museístico en el que las obras conectan entre sí creando relaciones punzantes. Esta publicación pretende activar en el lector la necesidad de buscar significados ocultos reflexionando de manera lúdica sobre cuestiones como la muerte del autor, la futilidad del discurso hegemónico en la historiografía artística, el papel del espectador en el arte, el juego político de fronteras, la mercadotecnia ideológica, la oposición entre la baja y la alta cultura o el análisis del lenguaje como sistema de configuración del pensamiento.

Hamish Fulton (Londres, Reino Unido, 1946) es un artista cuya obra es el resultado del encuentro entre el arte y el caminar. Lleva desde 1969 realizando caminatas por distintos parajes del planeta: recorrió la Península Ibérica de costa a costa en varias ocasiones, visitó casi toda Europa, Canadá, Estados Unidos, México y Australia, y caminó por las montañas de la India y del Nepal. Con motivo de la exposición Walking East, organizada por el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, planeó un recorrido partiendo desde Fisterra, en dirección a Santiago de Compostela, Pamplona y Roncesvalles hasta Hendaya.

Esta publicación presenta una serie de obras resultantes de este proyecto acompañadas de una conversación en la que el comisario de la exposición, Pep Benlloch, y el artista hablan sobre la experiencia en el Camino y la carrera de Hamish Fulton como walking artist (artista caminante).

La publicación Por una biología de la imagen presenta dos series sucesivas de obras de la artista madrileña Clara Carvajal, Dioses de la frontera y Argucia, que se inscriben en lo que podríamos llamar una primera aproximación de esta artista a la biología de la imagen. Mediante este concepto plenamente innovador Carvajal indaga en la dimensión plástica y escultórica de la imagen fotográfica.

Dioses de la frontera abre camino a un viaje expositivo y vital: Beirut, esas mil y una ciudades desde donde Clara Carvajal resignifica las imágenes de la Arab Image Foundation, los archivos del periódico An-Nahar y del fotógrafo Émile Boulos Divers. Argucia, por su parte, supone un paso más en esta búsqueda al incorporar la tridimensionalidad en siete cajas que funcionan como enntornos abiertos.

Con ambas series, Clara Carvajal nos introduce en un juego de espejos donde las imágenes resurgen en distintos medios para reafirmar su existencia.

El proyecto expositivo "Work (always) in progress" formula un discurso secuencial que permite abordar los principales aspectos del trabajo de Pedro Cabrita Reis (1956) a través de series representativas como Compounds, Favorite Places, True Gardens o Floresta en un arco temporal que recorre tres décadas. La muestra se articula por medio de una treintena de obras que ocupan el vestíbulo y las plantas baja y primera del CGAC, junto con intervenciones site specific en el exterior del edificio. Las obras reunidas dan cuenta de su extensa producción artística, que evidencia el potencial dialéctico de su trabajo, entre referencias a principios construtivistas y procesales, cuestiones formales minimalistas y el uso prominente del objeto preexistente.

El trabajo de Julião Sarmento se formaliza desde lo fronterizo. Muchas de sus obras contienen imágenes de imágenes y están relacionadas entre sí, aunque funcionen de manera independiente, abrazando la ambigüedad de su significado. Se trata de microrrelatos que asumen la múltiple potencialidad del cine, entre lo expreso y el secreto, entre lo personal y el extraño. También comparten con este una clase de duración suspendida. Toda la obra de Julião Sarmento proyecta esa sensación cinematográfica, porque en el que vemos siempre intuimos algo que se mantiene ausente, fuera de escena. Este libro, con textos de David Barro, Margarita Contento y Santiago Olmo, ofrece una visión panorámica de su obra e incide en la relación de su práctica artística con el cinematográfico.

Con motivo de su 25º aniversario, el Centro Gallego de Arte Contemporáneo edita un volumen con textos de su director, Santiago B. Olmo, y de Iago Seara, un testigo privilegiado de la historia del museo desde el momento de su construcción. Todo ello acompañado de una cuidada selección de imágenes del edificio diseñado por el arquitecto portugués Álvaro Siza Vieira para albergar un museo hoy convertido en referente internacional para el estudio y la reflexión alrededor del arte contemporáneo.

Nicolás Combarro (A Coruña, 1979) pertenece a una nueva tipología de fotógrafo en cuya obra, centrada en la arquitectura y en la idea de construcción, retroalimentándose, la práctica de la documentación y la intervención, entendida esta última como acción en el espacio y en el paisaje. Su exposición en el CGAC reúne algunas de sus series más recientes, Arquitectura oculta, Bangkok y Arquitectura espontánea, esta última resultado de un uso calibrado del propio archivo y de observaciones sistemáticas sobre edificaciones sin autor o populares. Además, la exposición incluye una reinterpretación del espacio concebido por el arquitecto portugués Alvaro Siza Vieira mediante fotografías de proyecciones que se integran en su serie Desvelar_desplazar.

De vocación temprana, Berta Cáccamo (Vigo, 1963) creció en un universo ligado a la creación. Considerada cómo una de las pintoras españolas más importantes de su generación, fue capaz de destilar influencias lejanas en el tiempo, siempre dispuesta al debate con su obra, con los problemas del arte y con sus imágenes. Exigente y reflexiva, su pintura es producto de una mirada inquieta, emocional y afectiva. De ahí que el título de la exposición habla de expansión, porque su obra es al mismo tiempo un proyecto vital, y de ensayo, porque se escribe en presente continuo y se inscribe en la memoria como material fundamental.

Entre despuntarlo de Atlántica y el surgir de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra se desarrolla en Galicia el trabajo de una importante nómina de artistas de muy diferente origen académico y con los más diversos horizontes estéticos y conceptuales. En ese paréntesis fecundo, lucharán por ampliar la visibilidad de su obra en condiciones adversas en una suerte de tierra de nadie en la que siempre será dificultuso encontrar señales de orientación y referencia. Arranca entonces una apasionante diversidad de propuestas y de nombres (por fin abundantes nombres de mujer), también muy creciente en número, si la comparamos con la generación anterior. Esa apasionante diferencia tuvo un constituyente común, que no era otro que la autoconciencia del hecho artístico y de la incontrolable contaminación de lenguajes. Fueron las suyas rupturas de la representación.