Clara Carvajal: Por unha bioloxía da imaxe

Con textos de Natalia Poncela, comisaria de la exposición, Santiago Olmo e Isabel Carlos, Nalgures es el catálogo de la muestra individual de la artista autraliana Narelle Jubelin (Sydney, 1960), realizada en el CGAC en 2022.
Nalgures se detiene en las memorias de los lugares y en los distintos modos en que estos son ocupados, recurriendo a referentes culturales concretos dentro del contexto gallego y vinculándolos con otras cartografías y referencias de la biografía y trayectoria artística de Jubelin.
A través de piezas procedentes de diferentes series de la artista, el libro propone un repertorio de discursos posibles que, a la manera de agrupamientos de obras o turnos, nos permiten tejer una red de intereses y afectos, a veces íntimos y, otras veces, no tanto.

Crebas es un término propio del léxico de la Costa da Morte, que designa todos aquellos objetos que las mareas depositan en la ribera, a consecuencia de un naufragio u otras circunstancias. Bajo este título, esta publicación muestra una selección de piezas datadas entre 1976 y 2019, que sintetizan la esencia de la obra de Torres. Es una nueva oportunidad de releer su trabajo desde otras perspectivas, observando los vínculos existentes entre las diferentes etapas de su trayectoria artística, que explora aspectos de carácter histórico, filosófico, político y antropológico, expresados a través de múltiples medios como la instalación, la fotografía, el dibujo o la escultura. Aquí se presentan una serie de obras inéditas directamente relacionadas con Galicia, que enlazan con sus primeras piezas conceptuales de los años setenta, articuladas en perfecto diálogo con obras posteriores, muy particularmente instalaciones multimedia, concebidas como un dispositivo de narración complejo, con frecuencia resultado de un exhaustivo proceso de investigación.

Teoría y práctica de él desierto propone un recorrido por los procesos de trabajo de Antoni Socías (Inca, Mallorca, 1955), vinculando, desde la fricción, fotografía y pintura, objeto, instalación y vídeo. Sus obras revelan una predilección por las paradojas y también por el absurdo que sutilmente se convierte en una larvada crítica social y política desde las pequeñas cosas; subraya la importancia de las actitudes en el día a día. En su obra, los procesos y las metodologías de trabajo asumen una importancia radical. En este sentido, muchas de sus creaciones tienen algo de performance y comparten una dinámica de escenificación seriada en la que, a partir del autorretrato, se aborda la crítica social desde los resortes de un absurdo riguroso.

En 1952, André Malraux publicaba Le Musée imaginaire de la sculpture mondiale, un texto capital en que prefiguraba una nueva forma de concebir la historia del arte como disciplina abierta en la que la historia de los estilos se desdibuja en favor de un entendimiento cruzado, con el que se abre lugar a las conexiones indebidas, múltiples y basadas en los afectos y las subjetividades. El museo imaginario de Malraux se acercaba en espíritu a los procedentes del museo moderno, situándose cerca de los gabinetes de curiosidades, las cámaras de maravillas en las que los burgueses y nobles del renacimiento continuaban la tradición medieval coleccionando todo tipo de objetos extraños junto a obras de arte.
La exposición Wunderkammer de Suso Fandiño se inserta en esta tradición y, a la manera de una cámara de maravillas, dibuja una serie de recorridos y enlaces poco habituales diseñando un espacio museístico en el que las obras conectan entre sí creando relaciones punzantes. Esta publicación pretende activar en el lector la necesidad de buscar significados ocultos reflexionando de manera lúdica sobre cuestiones como la muerte del autor, la futilidad del discurso hegemónico en la historiografía artística, el papel del espectador en el arte, el juego político de fronteras, la mercadotecnia ideológica, la oposición entre la baja y la alta cultura o el análisis del lenguaje como sistema de configuración del pensamiento.

Hamish Fulton (Londres, Reino Unido, 1946) es un artista cuya obra es el resultado del encuentro entre el arte y el caminar. Lleva desde 1969 realizando caminatas por distintos parajes del planeta: recorrió la Península Ibérica de costa a costa en varias ocasiones, visitó casi toda Europa, Canadá, Estados Unidos, México y Australia, y caminó por las montañas de la India y del Nepal. Con motivo de la exposición Walking East, organizada por el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, planeó un recorrido partiendo desde Fisterra, en dirección a Santiago de Compostela, Pamplona y Roncesvalles hasta Hendaya.

Esta publicación presenta una serie de obras resultantes de este proyecto acompañadas de una conversación en la que el comisario de la exposición, Pep Benlloch, y el artista hablan sobre la experiencia en el Camino y la carrera de Hamish Fulton como walking artist (artista caminante).

En noviembre de 1970 el artista argentino David Lamelas editó por primera vez Publication, un librito sin ilustraciones con textos de Keith Arnatt, Robert Barry, Stanley Brouwn, Daniel Buren, Victor Burgin, Michel Claura, Gilbert & George, John Latham, Lucy R. Lippard, Martin Maloney, Barbara M. Reise, Lawrence Weiner. El libro recoge las reacciones de estos artistas y críticos de arte a tres afirmaciones formuladas por Lamelas en torno a una cuestión central del arte conceptual: la relación existente entre arte y lenguaje. La pieza, que se presentó por primera vez en la galería Nigel Greenwood Inc. Ltd. de Londres, podrá verse en la exposición individual de David Lamelas en el CGAC en 2021. Como novedad, la edición del CGAC incluye un dibujo a color de Marcel Broodthaers que no había sido reproducido en ninguna de las ediciones y reimpresións anteriores de la obra.

En noviembre de 1970 el artista argentino David Lamelas editó por primera vez Publication, un librito sin ilustraciones con textos de Keith Arnatt, Robert Barry, Stanley Brouwn, Daniel Buren, Victor Burgin, Michel Claura, Gilbert & George, John Latham, Lucy R. Lippard, Martin Maloney, Barbara M. Reise, Lawrence Weiner. El libro recoge las reacciones de estos artistas y críticos de arte a tres afirmaciones formuladas por Lamelas en torno a una cuestión central del arte conceptual: la relación existente entre arte y lenguaje. La pieza, que se presentó por primera vez en la galería Nigel Greenwood Inc. Ltd. de Londres, podrá verse en la exposición individual de David Lamelas en el CGAC en 2021. Como novedad, la edición del CGAC incluye un dibujo a color de Marcel Broodthaers que no había sido reproducido en ninguna de las ediciones y reimpresións anteriores de la obra.

El proyecto expositivo "Work (always) in progress" formula un discurso secuencial que permite abordar los principales aspectos del trabajo de Pedro Cabrita Reis (1956) a través de series representativas como Compounds, Favorite Places, True Gardens o Floresta en un arco temporal que recorre tres décadas. La muestra se articula por medio de una treintena de obras que ocupan el vestíbulo y las plantas baja y primera del CGAC, junto con intervenciones site specific en el exterior del edificio. Las obras reunidas dan cuenta de su extensa producción artística, que evidencia el potencial dialéctico de su trabajo, entre referencias a principios construtivistas y procesales, cuestiones formales minimalistas y el uso prominente del objeto preexistente.

El trabajo de Julião Sarmento se formaliza desde lo fronterizo. Muchas de sus obras contienen imágenes de imágenes y están relacionadas entre sí, aunque funcionen de manera independiente, abrazando la ambigüedad de su significado. Se trata de microrrelatos que asumen la múltiple potencialidad del cine, entre lo expreso y el secreto, entre lo personal y el extraño. También comparten con este una clase de duración suspendida. Toda la obra de Julião Sarmento proyecta esa sensación cinematográfica, porque en el que vemos siempre intuimos algo que se mantiene ausente, fuera de escena. Este libro, con textos de David Barro, Margarita Contento y Santiago Olmo, ofrece una visión panorámica de su obra e incide en la relación de su práctica artística con el cinematográfico.

Con motivo de su 25º aniversario, el Centro Gallego de Arte Contemporáneo edita un volumen con textos de su director, Santiago B. Olmo, y de Iago Seara, un testigo privilegiado de la historia del museo desde el momento de su construcción. Todo ello acompañado de una cuidada selección de imágenes del edificio diseñado por el arquitecto portugués Álvaro Siza Vieira para albergar un museo hoy convertido en referente internacional para el estudio y la reflexión alrededor del arte contemporáneo.