Catálogo

Outras historias posibles reúne el trabajo de seis artistas nacidas en la década de los años 50 cuyas trayectorias merece la pena revisar y contextualizar para, como expresa el título del proyecto, generar otras historias que completen lo ya conocido en el entramado cultural, político y social de los años 80. Ana García Pan, Emilia Guimeráns, Anne Heyvaert, Tusi Sandoval, Blanca Silva y Laura Terré.

David Lamelas (Buenos Aires, 1946) es una figura clave del arte conceptual y uno de los grandes protagonistas de la escena artística argentina en la década de los sesenta. Desde los inicios, su obra se distinguió por una singular capacidad camaleónica para adaptarse a distintos contextos, ya fueran artísticos, arquitectónicos, geográficos o sociales, en capitales como Londres, Bruselas, París, Milán, Los Ángeles, Nueva York o Berlín.
La exposición que el CGAC le dedicó en 2021 fue su primera retrospectiva en España. En este catálogo se muestra la evolución del trabajo de Lamelas a través de distintas etapas, desde los inicios a primeros de los sesenta en Buenos Aires hasta el momento presente, y al mismo tiempo se incide en dos cuestiones importantes: la relación de Lamelas con Galicia (sus padres emigraron desde Manzaneda y Castro Caldelas durante la Guerra Civil) y la importancia del proyecto y del dibujo en su práctica artística a lo largo de toda su carrera; bien sea como dibujos autónomos, como sucede en la serie Aleph (1986-1989), o como medio para desarrollar una idea, en el ámbito escultórico, fotográfico, fílmico o arquitectónico.

David Lamelas (Buenos Aires, 1946) es una figura clave del arte conceptual y uno de los grandes protagonistas de la escena artística argentina en la década de los sesenta. Desde el inicio, su obra se distinguió por una singular capacidad camaleónica para adaptarse a distintos contextos, ya fueran artísticos, arquitectónicos, geográficos o sociales, en capitales como Londres, Bruselas, París, Milán, Los Ángeles, Nueva York o Berlín. La exposición que el CGAC le dedicó en 2021 fue su primera retrospectiva en España.
En este catálogo se muestra la evolución del trabajo de Lamelas a través de distintas etapas, desde los inicios a primeros de los sesenta en Buenos Aires hasta el momento presente y, al mismo tiempo, se incide en dos cuestiones importantes: la relación de Lamelas con Galicia (sus padres emigraron desde Manzaneda y Castro Caldelas durante la Guerra Civil) y la importancia del proyecto y del dibujo en su práctica artística a lo largo de toda su carrera; ya sea como dibujos autónomos, como sucede en la serie Aleph (1986-1989), ya como medio para desarrollar una idea, en el ámbito escultórico, fotográfico, fílmico o arquitectónico.

Número quince de la revista científica Ad Limina, de carácter interdisciplinar e internacional, multilingüe, de investigaciones sobre el Camino de Santiago y el fenómeno de las peregrinaciones. En esta ocasión se trata de un número monográfico dedicado a la "Peregrinación en un mundo globalizado: investigación interdisciplinar e implicaciones sociales".

Almudena Fernández Fariña. Pisando Charcos ofrece un recorrido por el trabajo de la artista a lo largo de treinta años de carrera, resituando su trayectoria y desvelando a una artista inédita cuya versatilidad queda patente en una serie de procesos paralelos que incluyen prácticas fotográficas, bordados, piezas cerámicas o libros objeto. Almudena Fernández Fariña (Vigo, Pontevedra, 1970) es artista y docente en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra (Universidad de Vigo). Su obra está representada en colecciones públicas y privadas. Su trabajo artístico fue reconocido con numerosos premios y becas entre los que destacan el Premio de pintura L’Oréal (2000); la beca Nuevos Valores (1994) o la beca de la Fundación Pollock-Krasner (2001).

Una Vida Vikinga que presenta al público una visión actualizada, basada en la investigación, del desarrollo de la vida en esta etapa histórica.
El catálogo refleja la vida en la era vikinga en las cuatro etapas de la vida: infancia, juventud, madurez y muerte, desde una perspectiva inclusiva y matizada del tema. Haciendo hincapié en los aspectos diaspóricos del mundo vikingo, destacando el contacto nórdico en lugares de todo el hemisferio norte.

Pontevedra en el tiempo es una celebración del fenómeno urbano en Galicia y su contribución a la configuración de la identidad local y gallega, centrada en la ciudad de Pontevedra. El enfoque expositivo parte de la memoria del visitante para deconstruir el espacio urbano y comprender las claves de su cambio, relacionando las transformaciones de la ciudad con los recuerdos locales. La muestra entiende la ciudad como un sistema cultural que construye parte de la identidad de sus habitantes y explorará esa red de símbolos, palabras y relatos compartidos que son también herederos del tiempo.

En 1952, André Malraux publicaba Le Musée imaginaire de la sculpture mondiale, un texto capital en que prefiguraba una nueva forma de concebir la historia del arte como disciplina abierta en la que la historia de los estilos se desdibuja en favor de un entendimiento cruzado, con el que se abre lugar a las conexiones indebidas, múltiples y basadas en los afectos y las subjetividades. El museo imaginario de Malraux se acercaba en espíritu a los procedentes del museo moderno, situándose cerca de los gabinetes de curiosidades, las cámaras de maravillas en las que los burgueses y nobles del renacimiento continuaban la tradición medieval coleccionando todo tipo de objetos extraños junto a obras de arte.
La exposición Wunderkammer de Suso Fandiño se inserta en esta tradición y, a la manera de una cámara de maravillas, dibuja una serie de recorridos y enlaces poco habituales diseñando un espacio museístico en el que las obras conectan entre sí creando relaciones punzantes. Esta publicación pretende activar en el lector la necesidad de buscar significados ocultos reflexionando de manera lúdica sobre cuestiones como la muerte del autor, la futilidad del discurso hegemónico en la historiografía artística, el papel del espectador en el arte, el juego político de fronteras, la mercadotecnia ideológica, la oposición entre la baja y la alta cultura o el análisis del lenguaje como sistema de configuración del pensamiento.

Raniero Fernández (Vigo, 1909-1999) realiza, durante las décadas cincuenta y sesenta del siglo pasado, una interesante obra fotográfica que, con el paso del tiempo, adquirió gran relevancia. Su actividad como fotógrafo está estrechamente vinculada con la que desarrolló como presidente de la Agrupación Fotográfica Gallega durante el período en que esta estuvo más activa. Lejos de la estética del pictorialismo tardío que caracteriza la fotografía aficionada de ese momento, muchas de sus imágenes nos recuerdan el trabajo de figuras como Cartier-Bresson y a Doisneau; de una manera muy particular, la extensa serie que realizó en el puerto de Vigo. Por otra parte, cabe resaltar los proyectos consistentes en fotografiar de manera sistemática los hórreos y los cruceros a través de la geografía gallega. Todo ello explica la pertinencia de revisar la obra de Raniero desde una óptica actual pero contextualizándola en su época, para lo cual se incluirán en la exposición obras de otros fotógrafos como Ferrol, Losada, Rueda, Schmidt de las Heras, Terré, Veiga Roel y Zamora.

La batalla de los géneros pretende ahondar en los discursos, debates y, sobre todo, en las representaciones surgidas de la práctica artística que tienen como marco temporal la década de los setenta del siglo veinte. Este conjunto de experiencias, lideradas sobre todo por mujeres artistas, supusieron una tentativa de denunciar la opresión machista y de poner en cuestión, e incluso invalidar, los pilares de la sociedad patriarcal. A través de los textos de Manuel Olveira, director del CGAC; Juan Vicente Aliaga, comisario del proyecto, y de las aportaciones de las teóricas del feminismo Amelia Jones, Elisabeth Levobici, Griselda Pollock y María Laura Rosa, esta publicación analiza los frutos de la relación entre el activismo político y la creación artística en marcos geográficos tan diversos como Latinoamérica, Estados Unidos, Francia o el Estado español. 

Con textos de Natalia Poncela, comisaria de la exposición, Santiago Olmo e Isabel Carlos, Nalgures es el catálogo de la muestra individual de la artista autraliana Narelle Jubelin (Sydney, 1960), realizada en el CGAC en 2022.
Nalgures se detiene en las memorias de los lugares y en los distintos modos en que estos son ocupados, recurriendo a referentes culturales concretos dentro del contexto gallego y vinculándolos con otras cartografías y referencias de la biografía y trayectoria artística de Jubelin.
A través de piezas procedentes de diferentes series de la artista, el libro propone un repertorio de discursos posibles que, a la manera de agrupamientos de obras o turnos, nos permiten tejer una red de intereses y afectos, a veces íntimos y, otras veces, no tanto.

A lo largo de medio milenio las casas reales católicas europeas donaron recursos materiales y financieros, así como suntuosas piezas de arte sagrado a la Basílica del Santo Sepulcro en Jerusalén; teniendo como eje central estas donaciones, el catálogo de la muestra Tesouros reais. Obras mestras do Museo de Terra Santa muestra el extraordinario y poco conocido tesoro artístico custodiado por el Museo de Tierra Santa de Jerusalén, compuesto de las donaciones de las casas reales católicas europeas a lo largo de 500 años.