Raniero Fernández: O arquivo

En 1952, André Malraux publicaba Le Musée imaginaire de la sculpture mondiale, un texto capital en que prefiguraba una nueva forma de concebir la historia del arte como disciplina abierta en la que la historia de los estilos se desdibuja en favor de un entendimiento cruzado, con el que se abre lugar a las conexiones indebidas, múltiples y basadas en los afectos y las subjetividades. El museo imaginario de Malraux se acercaba en espíritu a los procedentes del museo moderno, situándose cerca de los gabinetes de curiosidades, las cámaras de maravillas en las que los burgueses y nobles del renacimiento continuaban la tradición medieval coleccionando todo tipo de objetos extraños junto a obras de arte.
La exposición Wunderkammer de Suso Fandiño se inserta en esta tradición y, a la manera de una cámara de maravillas, dibuja una serie de recorridos y enlaces poco habituales diseñando un espacio museístico en el que las obras conectan entre sí creando relaciones punzantes. Esta publicación pretende activar en el lector la necesidad de buscar significados ocultos reflexionando de manera lúdica sobre cuestiones como la muerte del autor, la futilidad del discurso hegemónico en la historiografía artística, el papel del espectador en el arte, el juego político de fronteras, la mercadotecnia ideológica, la oposición entre la baja y la alta cultura o el análisis del lenguaje como sistema de configuración del pensamiento.

La publicación Por una biología de la imagen presenta dos series sucesivas de obras de la artista madrileña Clara Carvajal, Dioses de la frontera y Argucia, que se inscriben en lo que podríamos llamar una primera aproximación de esta artista a la biología de la imagen. Mediante este concepto plenamente innovador Carvajal indaga en la dimensión plástica y escultórica de la imagen fotográfica.

Dioses de la frontera abre camino a un viaje expositivo y vital: Beirut, esas mil y una ciudades desde donde Clara Carvajal resignifica las imágenes de la Arab Image Foundation, los archivos del periódico An-Nahar y del fotógrafo Émile Boulos Divers. Argucia, por su parte, supone un paso más en esta búsqueda al incorporar la tridimensionalidad en siete cajas que funcionan como enntornos abiertos.

Con ambas series, Clara Carvajal nos introduce en un juego de espejos donde las imágenes resurgen en distintos medios para reafirmar su existencia.

Manfred Gnädinger (Radolfzell, 1936-Camariñas, 2002), más conocido como Man de Camelle, fue un creador polivalente que desarrolló el conjunto de su labor en Camelle (Camariñas), totalmente al margen del sistema artístico. A lo largo de su vida se dedicó a integrar objetos que el mar le traía en el enntorno de su jardín, formando esculturas y conjuntos artísticos en constante evolución que dieron forma a su museo. Su legado nos lo dejó en forma de proyecto museográfico, siguiendo un proyecto totalmente innovador, en el que se plasmaban conceptos muy actuales sobre gestión, difusión y divulgación museística. Lo sistematizó en un compendio de 606 fotografías, dibujos y escritos denominado "Museum vom Einsiedler Man". Camelle (A Coruña) Spanien, en el que se recoge la esencia de su creación artística entre los años 1969 y 1978.

El proyecto expositivo "Work (always) in progress" formula un discurso secuencial que permite abordar los principales aspectos del trabajo de Pedro Cabrita Reis (1956) a través de series representativas como Compounds, Favorite Places, True Gardens o Floresta en un arco temporal que recorre tres décadas. La muestra se articula por medio de una treintena de obras que ocupan el vestíbulo y las plantas baja y primera del CGAC, junto con intervenciones site specific en el exterior del edificio. Las obras reunidas dan cuenta de su extensa producción artística, que evidencia el potencial dialéctico de su trabajo, entre referencias a principios construtivistas y procesales, cuestiones formales minimalistas y el uso prominente del objeto preexistente.

Lugar: contingencias de uso constituye un acercamiento a la significación existencial del espacio arquitectónico. El proyecto muestra obras de Patricia Esquivias, Luciana Lamothe y Sofía Táboas producidas para distintos espacios del edificio de Álvaro Siza. Los trabajos de estas tres artistas hablan de lo tectónico, de la morfología de los materiales a los elementos constructivos; de la dimensión histórica y simbólica a la perceptiva y cognitiva, que es, en último término, el fin que justifica la construcción espacial, por lo tanto, la arquitectura.