Lonxe, América. David Lamelas

David Lamelas (Buenos Aires, 1946) es una figura clave del arte conceptual y uno de los grandes protagonistas de la escena artística argentina en la década de los sesenta. Desde los inicios, su obra se distinguió por una singular capacidad camaleónica para adaptarse a distintos contextos, ya fueran artísticos, arquitectónicos, geográficos o sociales, en capitales como Londres, Bruselas, París, Milán, Los Ángeles, Nueva York o Berlín.
La exposición que el CGAC le dedicó en 2021 fue su primera retrospectiva en España. En este catálogo se muestra la evolución del trabajo de Lamelas a través de distintas etapas, desde los inicios a primeros de los sesenta en Buenos Aires hasta el momento presente, y al mismo tiempo se incide en dos cuestiones importantes: la relación de Lamelas con Galicia (sus padres emigraron desde Manzaneda y Castro Caldelas durante la Guerra Civil) y la importancia del proyecto y del dibujo en su práctica artística a lo largo de toda su carrera; bien sea como dibujos autónomos, como sucede en la serie Aleph (1986-1989), o como medio para desarrollar una idea, en el ámbito escultórico, fotográfico, fílmico o arquitectónico.

Almudena Fernández Fariña. Pisando Charcos ofrece un recorrido por el trabajo de la artista a lo largo de treinta años de carrera, resituando su trayectoria y desvelando a una artista inédita cuya versatilidad queda patente en una serie de procesos paralelos que incluyen prácticas fotográficas, bordados, piezas cerámicas o libros objeto. Almudena Fernández Fariña (Vigo, Pontevedra, 1970) es artista y docente en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra (Universidad de Vigo). Su obra está representada en colecciones públicas y privadas. Su trabajo artístico fue reconocido con numerosos premios y becas entre los que destacan el Premio de pintura L’Oréal (2000); la beca Nuevos Valores (1994) o la beca de la Fundación Pollock-Krasner (2001).

La obra de René Heyvaert (Gante, 1929-Scheldewindeke, Bélgica, 1984) es sobria, sencilla y a la vez extraordinariamente compleja, ligada tanto a las vanguardias históricas como a sus propias circunstancias vitales. Refleja la mirada de un artista experimental que intentó buscar, al clima que dejaba la posguerra mundial, una salida humana en la que arte y vida se reconcilian propiciando una cierta idea visionaria de una utopía humilde. Fallecido prematuramente a la edad de 55 años, ejerció una intensa influencia en sucesivas generaciones de artistas de su país, Bélgica, y es, por otra parte, un artista actualmente en fase de descubrimiento y reconsideración. En esta publicación proponemos la reconsideración y relectura global de su obra desde sus inicios en el ámbito de la arquitectura, hasta el desarrollo de un conjunto de obra singular que, desde una posición profundamente marcada por el aislamiento derivado de sus problemas de salud, demuestra un profundo conocimiento sobre las preocupaciones y búsquedas del arte de su tiempo, tanto en su país de origen como fuera de sus fronteras.
Bélgica, y es, por otra parte, un artista actualmente en fase de descubrimiento y reconsideración.
En esta publicación proponemos la reconsideración y relectura global de su obra desde sus inicios en el ámbito de la
arquitectura, hasta el desarrollo de un conjunto de obra singular que, desde una posición profundamente
marcada por el aislamiento derivado de sus problemas de salud, demuestra un profundo conocimiento sobre las
preocupaciones y búsquedas del arte de su tiempo, tanto en su país de origen como fuera de sus fronteras.

Hamish Fulton (Londres, Reino Unido, 1946) es un artista cuya obra es el resultado del encuentro entre el arte y el caminar. Lleva desde 1969 realizando caminatas por distintos parajes del planeta: recorrió la Península Ibérica de costa a costa en varias ocasiones, visitó casi toda Europa, Canadá, Estados Unidos, México y Australia, y caminó por las montañas de la India y del Nepal. Con motivo de la exposición Walking East, organizada por el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, planeó un recorrido partiendo desde Fisterra, en dirección a Santiago de Compostela, Pamplona y Roncesvalles hasta Hendaya.

Esta publicación presenta una serie de obras resultantes de este proyecto acompañadas de una conversación en la que el comisario de la exposición, Pep Benlloch, y el artista hablan sobre la experiencia en el Camino y la carrera de Hamish Fulton como walking artist (artista caminante).

Teoría y práctica de él desierto propone un recorrido por los procesos de trabajo de Antoni Socías (Inca, Mallorca, 1955), vinculando, desde la fricción, fotografía y pintura, objeto, instalación y vídeo. Sus obras revelan una predilección por las paradojas y también por el absurdo que sutilmente se convierte en una larvada crítica social y política desde las pequeñas cosas; subraya la importancia de las actitudes en el día a día. En su obra, los procesos y las metodologías de trabajo asumen una importancia radical. En este sentido, muchas de sus creaciones tienen algo de performance y comparten una dinámica de escenificación seriada en la que, a partir del autorretrato, se aborda la crítica social desde los resortes de un absurdo riguroso.

Publicación ideada en 2013, durante la preparación de la muestra individual Clearblueskydeepdarkwater, de Grahan Gussin, en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo. El comisario de la exposición y de aquella director del CGAC, Miguel von Hafe Pérez, y el propio Gussin invitaron a un conjunto de críticos y otros profesionales del mundo del arte, de alguna manera vinculados con la trayectoria del artista, a escribir sobre su obra o sobre algún aspecto concreto de su trabajo. El resultado fue este collage de impresiones, reflexiones y propuestas, que nos devuelve un retrato fiel del artista y un recorrido por los temas fundamentales de su universo creativo.
Graham Gussin (Londres, 1960) utiliza una gran diversidad de medios para explotar nuestra percepción del tiempo, del espacio y de la escala. Sus obras suelen manipular y apropiarse de imágenes y narraciones literarias extraídas de la historia del arte, de la cultura popular y, sobre todo, del cine.

Desde sus primeras obras de corte conceptual, realizadas a comienzos de la década de los setenta, el argentino Víctor Grippo construyó una personal poética del cotidiano en la cual los materiales orgánicos, las herramientas y los utensilios domésticos conviven con los métodos e instrumentos de la ciencia.
En 2013 el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, organizó la primera gran retrospectiva europea de este artista, cuyo trabajo, transcurrida ya más de una década desde su fallecimiento, nos sigue sorprendiendo por su sencillez y su profunda actualidad.
El catálogo de la exposición propone un acercamiento a la obra de Víctor Grippo desde cuatro perspectivas diferentes y complementarias: la de la comisaria de la muestra, Alicia Chillida; la del crítico e historiador del arte británico, especializado en el arte de América Latina, Guy Brett; la de la historiadora del arte argentina María Casanegra, y por último, la del científico y estudioso de la obra de Grippo Dante Isidoro Poletto.